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sábado, 29 de noviembre de 2014
miércoles, 26 de noviembre de 2014
MI ANÁLISIS DE MÚSICA CONTEMPORANEA
LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA
La primera y más importante es el abandono del sistema tonal como eje estético
los compositores de esta música han logrado encontrar algo mas adentro de lo que normalmente sienten y tras esta manera de componer, aveces muy disonante, poco entendible ellos logran expresar lo que en palabras y sentimientos no se logra.
¿nos podemos imaginar una vida sin lo bien llamamos ruidos?
si solo existiera música bien sea actual pero entendible sin importar el genero (salsa, rock. baladas pop, música clásica, barroca, renacentista, etc) no podríamos vivir tranquilos porque los ruidos forman parte de nuestra vida, por ejemplo: al escuchar cualquier tema musical, no importa el genero, a varias personas les gusta escucharla a todo volumen lo que para otros les parece ruido, o también, a muchos les gusta escuchar el sonido de la naturaleza el cantar de las aves, el sonido del viento, escuchar los golpes de la lluvia al caer al planeta o bien a otras personas les gusta escuchar el sonido fuerte de una moto cada uno por sus distintas razones para escucharlo, todo esto, lo que para unas personas es agradable para otros es fastidioso perturbador es algo estresante.
Partiendo de esto podríamos explicar la música contemporánea o bien el arte contemporáneo,
para mi lo contemporáneo es agradable cuando tiene sentido y logra trasmitirme algo, las sensaciones que uno experimenta cuando se logra adentrar a ese son inexplicables cabe decir que puedo vivir una dimensión desconocida. !solo hay que conocerla¡
Para que conozcas mas acerca del arte contemporáneo como tal revisa este blogg ¡es interesante!..
te ayuda a conseguir la conexión..
GRANDES PENSADORES DICEN QUE
 |
| TOMADO ORIGINALMENTE DE JSTOR. BIBLIOTECA VIRTUAL DE LA UNIVERSIDAD DE CALDAS |
MONTSERRAT ALBET, Francesc Taverna-Bech, Joan Guinjoan, Luis Suñén, Ernest Martínez Izquierdo, Jordi Maluquer, Antón García Abril El Ciervo, Año 48, No. 576 (marzo 1999), pp. 23-27
martes, 25 de noviembre de 2014
Música Modernista y Contemporánea
A mi opinión estos periodos son los mas importantes, cabe resaltar que existen mucho mas pero para mi estos son los enmarcaron el cambio de la música contemporánea.
Es un ligero resumen de las cosas mas importantes de cada periodo.
Se refiere a la música de la tradición europea, elaborada aproximadamente entre1910 y 1975.Fue precedida por la música del romanticismo y posromanticismo, y sucedida por la música clásica contemporánea
La música modernista está basada en los valores filosóficos y estéticos del modernismo al cual tienen como principio principal la ruptura con la tradición, y la permanente innovación.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de los períodos anteriores:
· La expansión o abandono de la tonalidad.
· El uso de las técnicas extendidas.
· La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición
El Dodecafonismo
Arnold Schoemberg (1874-1951), músico autriaco fundador de la segunda escuela de Viena y creador del dodecafonismo. Desarrolló la técnica del dodecafonismo, proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.
El Serialismo Integral
Anton Webern (1883-1945) discípulo de Schoemberg, desarrolló las ideas dodecafónicas y creo el serialismo integral.
Representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no solo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente, después de años de impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en el que los sonidos individuales son cuidadosamente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia— se convirtió en norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre compositores de la postguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.
Es muy
abstracta, disonante y atonal, caracterizada por el uso de técnicas que llevan
hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Esto incluye el uso
de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables, micro tonalidad,
contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios
bruscos en la textura, y así sucesivamente. También se caracteriza, a
diferencia de la música de los serialistas inmediatamente posteriores a la
Segunda Guerra Mundial, por la dependencia frecuente de sus compositores en
concepciones poéticas, muy a menudo implicados en los títulos de las obras
individuales y en los ciclos de trabajo de cada compositor
Es un ligero resumen de las cosas mas importantes de cada periodo.
La música modernista y contemporánea
Se refiere a la música de la tradición europea, elaborada aproximadamente entre1910 y 1975.Fue precedida por la música del romanticismo y posromanticismo, y sucedida por la música clásica contemporánea
La música modernista está basada en los valores filosóficos y estéticos del modernismo al cual tienen como principio principal la ruptura con la tradición, y la permanente innovación.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de los períodos anteriores:
· La expansión o abandono de la tonalidad.
· El uso de las técnicas extendidas.
· La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición
la música contemporánea se iría complementando por varios periodos desarrollados al mismo tiempo o diferente dándole una nueva forma de ser interpretada y explicada.
El Futurismo
Fue uno de
los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX. Esta
corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo
Tommaso Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el
20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.
Este
movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los
signos convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida
contemporánea, esto por medio de dos temas principales: la máquina y el
movimiento. El futurismo recurría a cualquier medio de expresión; artes
plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y música; con el fin de
construir de nuevo el perfil del mundo.
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| https://www.youtube.com/watch?v=BYPXAo1cOA4 |
Los primeros
trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año en
que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas entre los
principales:
Luigi Russolo (1885-1947)
compositor italiano que adhirió al manifiesto futurista y
creó El arte de los ruidos como manifestación musical de este
movimiento. Fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro
en el cual se utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la
naturaleza o por la Crisis de la tonalidad y atonalismo.
Primitivismo
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| https://www.youtube.com/watch?v=67fzLi1lxN4 |
Igor
Stravinsky (1882-1971), su obra La consagración de la
primavera es considerada la obra más importante del siglo XX.
El
primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor
más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno o modernista. Similar
al nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó
además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de
la percusión y otros timbres, tipos de escalas, y armonía politonal y atonal. Dentro de la música los dos gigantes
de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el húngaro Bula
Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación
"primitivista".
Microtonalismo
Charles
Ives (1874-1954) fue uno de los más prominentes compositores de música
microtonal, y el pionero en Estados Unidos.
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| https://www.youtube.com/watch?v=EXJPnUZhETg |
El
microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales
menores que un semitono). El músico estadounidense Charles Ives definía a
los microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del
piano”. Experimentando con el violín en 1895, el mexicano Julián
Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos claramente diferentes
entre los lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda de violín. Llamó a
estas distinciones microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría
de la música y la física de la música. Inventó un simple notación numérica para
representar las escalas musicales sobre la base de cualquier división de la
octava, como: tercios, cuartos, quintos, sextos, séptimos, y así
sucesivamente. Compuso una gran cantidad de
música microtonal y grabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920,
los cuartos de tono y otras subdivisiones de la octava recibieron la
atención de otros compositores como Charles Ives, Alois
Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y
escalas no octabables), Ferruccio Busoni (quien hizo algunos
experimentos infructuosos en la adaptación de un piano de tercios de
tono), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin
Schulhoff dio clases de composición con cuartos de tono en el
Conservatorio de Praga. Destacados compositores microtonales o
investigadores de los años 1940 y 1950 incluyeron a Adriaan
Fokker (31 tonos iguales por octava), y a Groven Eivind. La música
microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi
exclusivamente por los músicos de Vanguardia.
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| https://www.youtube.com/watch?v=8w4OYCMzLlM |
Arnold Schoemberg (1874-1951), músico autriaco fundador de la segunda escuela de Viena y creador del dodecafonismo. Desarrolló la técnica del dodecafonismo, proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.
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| https://www.youtube.com/watch?v=ooF3SZfqrAA |
Anton Webern (1883-1945) discípulo de Schoemberg, desarrolló las ideas dodecafónicas y creo el serialismo integral.
Representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no solo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente, después de años de impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en el que los sonidos individuales son cuidadosamente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia— se convirtió en norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre compositores de la postguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.
Neoclasicismo
Dmitri
Shostakóvich (1906-1975) desarrolló junto con Serguéi Prokofiev (1891-1953)
el neoclasicismo en el contexto del realismo socialista en la Unión
Soviética.
El neoclasicismo en
música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de
tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los
ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados,
como punto de partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul
Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla
Bartók son los compositores más importantes usualmente mencionados en este
estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus
contemporáneos Francis Poulenc yArthur Honegger.
Música
Electrónica Y Concreta
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| https://www.youtube.com/watch?v=iqxMgC7C3po |
Olivier
Messiaen (1908-1992) participó del movimiento de la música concreta, entre
muchas otras innovaciones de su época.
Los avances
tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló
la música concreta escuela que producía sonidos existentes en el
mundo. Se llama concreta porque según Pierre Scheffer, su inventor, planteaba
que está producida por objetos concretos y no por los abstractos que serían el
instrumento musical tradicional.
El primero
que dispuso de esos medios fue Edgar Varese, quien presentó “Poème
électronique”
En Alemania en
cambio la forma de usar la tecnología se llamó música electrónica, que es
aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El primer
concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera
obra de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz
Stockhausen de 1956.
En
EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para
crear música.
Otros
compositores abandonaron los instrumentos convencionales, y usaron cintas
magnéticas para crear música, grabar sonidos, y manipularlos de alguna manera.
Algunos de estos trabajos electrónicos son piezas suavemente
ambientadas, y otras muestran una violenta y salvaje sonoridad. Compositores
como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudor crearon e
interpretaron música electrónica en vivo, a menudo diseñando sus propios
instrumentos o usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de
instituciones especializas en música electrónica, siendo quizá
el IRCAM de París la más conocida
La música
concreta o música acusmática es un género musical cuyos
fundamentos teóricos y estéticos fueron originados por Pierre
Schaeffer en los estudios de la radiodifusión francesa en 1948.
La música acusmática está ligada a la aparición de dispositivos que
permitieron la descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (en un
principio analógico, como la cinta, posteriormente digital, como el
CD) con el fin de tratar este sonido de manera separada y manipularlo
cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y finalmente combinando los sonidos
resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y
definitiva como una partitura auditiva. En virtud de este proceso se habla
también de "música de sonidos fijados”, ya que el resultado de la música
concreta es su fijación en un soporte como la cinta de casete, el CD o un
archivo informático. Esta revolución de sonidos hizo cambiar significativamente
toda la estructura convencional de la música, ya que la forma
musical dada al sonido de una puerta abriéndose pasó a tener la misma
importancia que la de una melodía tocada al violín.
Música
Aleatoria
El compositor
alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las
formas musicales vanguardistas del siglo XX, especialmente en las más
radicales.
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| https://www.youtube.com/watch?v=-vjofqA2SNY |
Si bien el
modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se
refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de
música llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando elementos
como ruidos, grabaciones, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el
teatro, el absurdo, el ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros
generalmente ubicados dentro de esta corriente radical se encuentra la música
aleatoria, la música electrónica en vivo, el teatro musical, la música ritual,
la composición de procesos, el happening musical, o la música
intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que
incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América
y Karlheinz Stockhausen en Europa.
La música
aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a
elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel
preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas.
Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el
desarrollo de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia,
la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante
determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una
de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea
de varias de ellas.
Minimalismo
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| https://www.youtube.com/watch?v=CeiK-sVJtZg |
Philip
Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en
Estados Unidos, y es actualmente uno de los compositores doctos más famosos del
mundo.
Varios
compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que llamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al
dominio de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas
unos a otros, a menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama
sonora. Ejemplos tempranos incluyen En do (de Terry Riley)
y Tamborileando (de Steve Reich). La primera de estas obras hizo
que Riley fuera considerado por muchos el padre del minimalismo; es una pieza
formada por celdas melódicas comprimidas, que cada intérprete en un conjunto
toca a su propio tempo. La onda minimalista de compositores —Terry Riley, Philip
Glass, Steve Reich, La Monte Young, John
Adams y Michael Nyman, para nombrar los más importantes— deseaban
hacer la música accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones
específicas y concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la
técnica, sino más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores
y menores de la música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica
tradicional.
Micropolifonía
Y Masas Sonoras
Luego
de Gyorgy Limeta (1923-2006), el griego Iannis Xenakis (en
la imagen) y el polaco Krzysztof Penderecki fueron los
principales exponentes de la utilización de masas sonoras y micropolifonía.
En palabras
de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de
diferentes líneas, ritmos y timbres».
La técnica
fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó así: «La
compleja polifonía de las voces
individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las
armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en otras;
una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose
borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación
interválica está tomando forma».
«La
micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de ellos en el uso que
hace de líneas más dinámicas que estáticas».
La técnica de
la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes
o con instrumentos musicales polifónicos como
el piano. Aunque el Poème Symphonique para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una
complejidad sin parangón».
Intrínsecamente
relacionada con la micropolifonía está la masa de sonido o masa sonora que es
una textura musical cuya composición, en contraste con otras
texturas más tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas
musicales individuales para preferir la textura, el timbre y
la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».
Esta técnica
fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por
el modernismo musical y después se extendió a la
escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 1960.
La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y
el ruido».
Una textura
puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto
fusionado de timbres de un único objeto.
Música
Cinematográfica
 |
| https://www.youtube.com/watch?v=4rQSJDLM8ZE |
John
Williams (1932) creador de la música de Star Wars y otras de las
más taquilleras películas de Hollywood.
Desde la
llegada del cine sonoro a principios de la década de los
30', la música cumplió un rol crucial en la industria y el arte del cine.
Muchos de los grandes compositores de la década tales como los rusos Prokofiev
y Shostakovic, incursionaron también en esta área. Sin embargo llaman la
atención ciertos compositores que se dedicaron casi exclusivamente a trabajar a
través del cine. Aunque las musicalización de largometrajes durante los años
1940 estaban rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en el campo
de la música de concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para el
cine modernista. El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las
influencias del jazz y las obras disonantes y trabajó con Alex North, cuya
partitura de Streetcar Named Desire (1951) combina la disonancia con
elementos de blues y jazz donándole a la musica un estilo de pelicula.
Poliestilismo
Poliestilismo
(también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o
técnicas musicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza
a finales del siglo XX y se acentúa en el siglo XXI.
Compositores
poliestilísticos son, por ejemplo:
Lera Auerbach,
Luciano Berio,
William Bolcom,
Sofia Gubaidulina,
Hans Werner Henze,
George Rochberg,
entre otros...
Lera Auerbach,
Luciano Berio,
William Bolcom,
Sofia Gubaidulina,
Hans Werner Henze,
George Rochberg,
entre otros...
Espectralismo
El espectralismo es
un género musical originado en Francia en la década de los 60 alrededor
de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard
Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt). La música espectral,
en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento de la
naturaleza del timbre musical en la
descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción del
timbre.
El
espectralismo se ocupa de analizar el espectro musical con lupa, para manejar
todos los sonidos físicos posibles y disponer el compositor de ellos para crear
su propia armonía, no sólo limitada por los sonidos temperados.
Esta búsqueda
de libertad y expresión romántica es aplicada por el
espectralismo a otras características de la música:
En
los intervalos musicales, defienden los conceptos
de disonancia y consonancia como altamente influenciados
por la cultura. De hecho, escalas hindúes o chinas son imposibles desde un
punto de vista armónico para las escuelas occidentales basadas en el sistema
temperado de Bach.
Similar al concepto
anterior, establecen como muy difusa la línea que separa los sonidos
"musicales" de los de altura indeterminada y de los ruidos o
chirridos.
Libre
Improvisación
La
improvisación libre es música improvisada sin reglas previas
establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces
los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros
musicales reconocibles. La improvisación libre, como estilo de música, se
desarrolló en Europa y EE. UU. En la mitad y fines de la
década de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento
del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre
los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los
saxofonistas
Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
Nueva
Complejidad
La Nueva
complejidad (del inglés New complexity), es un movimiento de la música
académica contemporánea originado en la década de 1980, principalmente aplicado
a compositores que buscan una compleja interrelación de múltiples niveles sobre
los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en cada dimensión del
material musical.
Entre los
compositores más importantes que han trabajado en esta línea se encuentran
Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y
Richard Barrett.
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